Chantal Akerman mérite d'être en tête du plus grand sondage sur les films de Sight and Sound

 Enfin : un remaniement, une fissure dans le mur, un défi au canon, un changement dans la même vieille entreprise de création de listes consistant à remanier les mêmes anciens noms dans un ordre légèrement différent au sommet.

Le magazine Sight and Sound a annoncé le résultat de son dernier sondage décennal des critiques du plus grand film de tous les temps et le film radicalement austère, dérangeant et brillant de 1975 de Chantal Akerman Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelles est avec une balle au n ° 1. Il s'agit du récit étrangement troublant et hypnotique de plus de trois heures de la vie apparemment banale d'une mère célibataire en temps réel, qui révèle progressivement un terrible secret. Avec un embrasement féroce, froid et soutenu, le film aborde des questions et des questions contemporaines : le travail domestique comme travail, le travail du sexe comme travail, le fardeau de la maternité et de la prestation de soins, le théâtre de la respectabilité bourgeoise, la terrible solitude de la vie domestique et la marginalisation féminine, l'omniprésence inaperçue du pouvoir et de la violence.

Jeanne Dielman en fait la première fois qu'une réalisatrice est admise dans ce club exclusif des médaillés d'or. Il ne comptait jusqu'alors que trois membres : Vittorio de Sica (Voleurs de vélos en 1952), Orson Welles (Citizen Kane en 1962, 1972, 1982, 1992 et 2002) et Alfred Hitchcock (Vertigo en 2012). Maintenant, Akerman les a rejoints et, comme Hitchcock, n'a pas vécu pour voir ce triomphe, étant décédé en 2015.

Beaucoup de choses se sont passées dans la conversation culturelle depuis le dernier sondage en 2012, lorsque Hitchcock a renversé Welles, mais sans changer exactement le paysage critique. L'identité et la représentation sont désormais importantes et c'est une très bonne chose. Un ensemble stagnant d'hypothèses a été remué, et la grandeur d'un maître moderne a été reconnue. Mais il n'y a pas que ça. Le génie et la vision sans compromis d'Akerman, ainsi que sa compassion et sa sympathie humaine, font pression sur le débat depuis un certain temps maintenant et Jeanne Dielman est passée d'une rumeur troublante ou d'un choix culte à un classique à part entière.

It is a film that poses a confrontational question to the audience, as difficult in 2022 as in 1975: what does the viewer expect to see and when? Akerman transcribes the apparently dull life of Dielman, played by Delphine Seyrig, in distinctively long, unbroken takes from fixed camera positions. We watch as Dielman sits down at her kitchen table and peels potatoes or begins to cook a meal. This scene goes on for long enough for us to think: this person is really peeling potatoes; there is effectively no difference in what she is doing here in this fictional mode and how she would do it in real life. This is happening. Without cutting away, we simply look at what is front of us, and begin to notice incidental details that would otherwise be overlooked.

But after a while, having been lulled into this faintly hypnotised state, we notice disturbing things that are slightly off, symptoms of an unacknowledged off-camera reality. It is the very polar opposite of a jump scare. Proportion and perspective are what’s in question. The long, long stretches of uneventfulness that surround the main event are not usually accommodated like this and significant things are not usually left unsignposted, and yet this is arguably a truer representation of our lived, unedited experience.

Jeanne Dielman is also a movie that reaches back to Agnès Varda’s 1962 film Cléo from 5 to 7 – which makes the list at No 14 – in its quasi real-time scrutiny of a woman’s private life, as well as Buñuel’s Belle de Jour from 1967, with its sheen of dreamlike strangeness in ostensible normality. It also reaches forward to movies such as Jaime Rosales’s The Hours of the Day from 2003 and Michael Haneke’s Hidden from 2005, in that it is about denial, about the prosperous bourgeois capacity for carrying on and ignoring suffering and violence, whether this violence is being caused by or inflicted upon you. It is a poem of stoicism and fear and pain and a kind of survival.

Elsewhere in the list, it is refreshing to see more recent films (at last) being listed: Wong Kar-Wai’s delectably unhappy love story In the Mood for Love (2000) at No 5, Claire Denis’ Beau Travail (1998) at No 7 and David Lynch’s Mulholland Dr (2001) at No 8. Ingmar Bergman’s Persona (1966) is in there at No 18 but his mighty The Seventh Seal (1957) – once a shoo-in for lists like this – doesn’t make the cut, and great European heavyweights such as Fellini and Antonioni are absent. A small worry of mine is that, as ever, comedy is pretty much frowned on, although Singin’ in the Rain (1952) gets in at No 10, with its heroic insistence on the importance of making ’em laugh.